Redux

Entrevista a Fever Ray

Posted in electrónica, entrevistas by Iván Conte on mayo 28, 2009

El número 101 de la revista GoMag se centra en algunos de los nombres más interesantes que se pasarán por la próxima edición del festival Sonar, y por eso trae entrevistas con gente como Joker, o mi contribución, que es la entrevista a Fever Ray que podéis leer aquí debajo. También viene un informe sobre el wonky que, tal y como está de caliente la discusión acerca de esta etiqueta en los foros y blogs ingleses, tengo muchas ganas de leer.

Por otra parte, esta semana no he podido ni podré escribir nada porque  siendo como soy profesor, y coincidiendo esta semana con el fin de curso -aunque me toca seguir dando unas clases durante el mes de junio-, comprenderéis que no tengo la cabeza para demasiado.

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Insomnio, paganismo, las bajas frecuencias características del metal, la humedad, estos son algunos de los ingredientes con los que ha trabajado la sueca Karin Dreijer –integrante  junto a su hermano del reconocido dúo The Knife– para su primer álbum en solitario. Un disco de marcados claroscuros con los que su autora da un firme paso adelante en el desarrollo de una identidad musical inconfundible y cada vez más imprescindible.

Tras la publicación de Silent Shout,  The Knife anunciaron que no publicarían más discos con ese nombre durante esta década que está a punto de terminar. El primer disco de Karin Dreijer en solitario, con el alias de Fever Ray, permite aliviar la espera en buena parte por continuar estilísticamente allí donde lo dejaron ella y su hermano en el último álbum hasta el momento de The Knife. No es de extrañar, por tanto, que Karin contemple todo lo que hace como ‘un proceso continuo. Todo lo que hago está relacionado con lo que he hecho anteriormente. Aprendes muchas cosas en cada álbum, y te das cuenta de que todavía quedan muchas cosas por probar’. La idea de crear música en un proceso continuo y su interés por experimentar tienen una repercusión directa en su manera de escribir canciones. Así, Karin siempre tiene canciones formándose en su cabeza ‘No todas las canciones terminan en el ordenador, pero aquellas que sí lo hacen, las termino’ canciones que toman diversas formas y caminos en el proceso ‘Pruebo miles de cosas en los aspectos musicales y vocales antes de terminar una canción’ En su caso  se solapan los procesos de escritura y grabación debido a que trabaja en su propio estudio ‘ahí es donde escribo y grabo, ambos procesos son simultáneos cuando trabajas con un ordenador

La atmósfera oscura es uno de los elementos característicos de The Knife que continúan presentes en Fever Ray. En la entrevista que concedió a Pitchfork,  habló acerca de su afición a bandas de metal como Neurosis. ‘Me gusta el volumen alto y gritar’, contesta cuando le pregunto acerca de qué es lo que le interesa de ese tipo de música. Además, en su myspace ha escogido para definir su música las etiquetas folk, electroacústica y black meta. El metal tiene una fijación con la oscuridad medieval explotada sobre todo en su aspecto visual que aquí está reflejada en la estructura, los sonidos, las frecuencias y el video que ilustra ‘If I Had a Heart’, la lúgubre canción de aires inmemoriales con el que comienza el álbum. Con esta canción Karin profundiza en su interés por todo aquello que sea ‘primario y muy primitivo. Me resulta muy interesante trabajar con estructuras repetitivas’, algo que provoca que el oyente experimente una sensación de inmersión en el espacio sonoro.

Pese a todas estas conexiones, que forman una parte importante del entramado de su propuesta musical, el debut de Fever Ray no cae en una visión predecible y sin matices de la oscuridad. De hecho, se trata de un disco mucho más luminoso de lo que parece a simple vista, y en este sentido era interesante preguntarle si ella nota alguna diferencia entre la manera en que se está interpretando este disco y lo que significa para ella ‘No estoy muy interesada en cómo la gente interpreta lo que hago, estoy contenta si simplemente les ha hecho pensar en algo. Yo no lo veo como un disco muy oscuro, ni pensé demasiado en términos de colores cuando lo empecé’. En cualquier caso, sorprende el negro que de manera desasosegante domina la portada de su disco. Portada que, aunque lo parezca, no fue dibujada por Charles Burns sino por el sueco Martin ‘Mander’ Ander. El diseño gráfico también hace referencia a los códigos del horror, conexión que continúa en los dos videoclips hechos hasta el momento para promocionar el disco ‘quiero saber qué es lo que te asusta. A mí, sin embargo, mi trabajo no me asusta, no lo veo como perteneciente al género de terror, creo que en su mayor parte es muy hermoso’.

Este énfasis en la luminosidad semioculta en la oscuridad, en su caso, se explica porque la creación del disco estuvo marcada por el nacimiento de su hija, tras el cual sufrió recurrentes episodios de insomnio, durante los cuales escribió y grabó buena parte del disco. ‘Quería hacer música que reflejase ese periodo específico de tiempo en el que estuve en el estudio. Coincidió con que fue poco después de dar a luz y eso afecta a todo’  Las canciones incluidas en este LP recrean precisamente el estado de conciencia alterado por el insomnio.

La vida doméstica no es un tema muy común en la música popular, y lo que es peor, suele dar lugar a discos acomodados y empalagosos, por eso es de destacar que este año hayamos podido escuchar dos discos sobresalientes que tratan el tema con cierta originalidad. En Merriweather Post Pavillion Animal Collective hacen que su psicodelia electrónica exprese sentimientos encontrados acerca de la alegría de formar una familia y la necesidad de tener que salir de gira, mientras que en Fever Ray Karin escoge un punto de vista diferente, de puertas adentro, escogiendo como referentes las consecuencias psicológicas como el insomnio y los pequeños detalles de felicidad doméstica. Eso sí, el álbum también trata sobre muchos otros temas que resumen su vida en los meses de creación del disco tales como, según ella misma explica ‘muertes, relaciones, conversaciones con amigos, comidas, paseos, pensamientos…

Una diferencia fundamental entre el tratamiento de la vida doméstica realizado por Animal Collective y Fever Ray es el espacio desde el que hablan; mientras que los primeros hablan de la vida familiar desde fuera del hogar, desde los hoteles y demás no-lugares en los que echan de menos a los familiares directos, Fever Ray escoge el corazón del hogar, ofreciendo una poliédrica visión del mismo, cálida e inquietante al mismo tiempo. Este aspecto tiene que ver con la asociación en muchas culturas de la mujer con el hogar, y lleva a una de las características más interesantes de Karin tanto en The Knife como en Fever Ray, que es su tenaz rechazo a que su imagen pública caiga en los estereotipos de la mujer en la música popular. En la mayoría de las ocasiones hemos visto su rostro cubierto por una máscara o deformado digitalmente, algo que aparece reflejado en su música en el modo en que su voz aparece distorsionada. ‘Estoy interesada en probar cosas que no haya hecho antes y en ver qué ocurre cuando las haces. En este sentido me parece muy importante trabajar con los estándares sobre la fealdad, la belleza, y en qué consiste ser una mujer, algo que intento descubrir’. De hecho, uno de los puntos fuertes de su música es la consecuencia directa de su curiosidad y su insatisfacción acerca de los arquetipos y sus connotaciones culturalmente adquiridos. No es de extrañar, por tanto, que Karin disfrute trabajando y supervisando todo el acompañamiento visual de su música, que para ella es otro campo de pruebas con el que experimentar  ‘Para mí, la parte visual es una especie de hobby, es muy divertido ponerse a ello una vez que la música está terminada. Además, puesto que edito mi propia música en mi propio sello, tengo la última palabra en todo lo que hago

Fever Ray es un disco que propone una experiencia sonora inmersiva cercana por sus características a una serie de propuestas de los años ochenta que David Toop relacionó con el ambient en su libro Ocean of Sound. Según el crítico inglés, los discos de Grace Jones, Art of Noise y Sade, películas como Blade Runner y series como Corrupción en Miami (influencia reconocida por la propia Karin), se caracterizan porque, según Toop, ‘la atmósfera es el estilo; el estilo es el estado de ánimo; la humedad es el contenido’ El creador de Corrupción en Miami, Michael Mann, explica la capacidad significativa del estilo subrayando la importancia del cine como experiencia inmersiva, en la que todo lo que se ve y se oye tiene un efecto sobre el público. Algo similar ocurre con el disco de Fever Ray, en el que los sonidos, texturas y frecuencias –en definitiva, el estilo-  provocan una alucinada sensación subacuática y maternal, y en el que la naturaleza juega también un papel muy importante ‘Me interesa la manera en que la naturaleza juega con el tiempo y viceversa. Cómo la naturaleza vive en ciclos y simplemente continúa sin parar

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El bashment jamaicano se fija en el UK funky house

Posted in funky house by Iván Conte on mayo 20, 2009

Una de las mejores y más interesante entradas de las que  he leído recientemente en los blogs que frecuento es la de Gabriel Heatwave acerca de las conexiones entre el funky house británico y el bashment jamaicano. Para ser más exactos, Gabriel explica muy bien en esta entrada cómo es posible –no es seguro, por tanto, aunque parece bastante probable- que los ritmos cálidos y elegantes, inspirados en el patrón rítmico de la soca y trabajados sobre la plantilla del 4/4 del house que caracteriza al funky house esté calando en Jamaica.

Como prueba ofrece toda una serie de canciones en las que se evidencia ese supuesto interés de Jamaica por lo que se hace en Londres. Para los detalles os remito a la mencionada entrada. No voy a repetir aquí, por tanto, lo que él ya explica muy bien, aunque sí que merece la pena recordar que toda la música más o menos relacionada con el hardcore continuum no ha tenido un gran impacto en la música caribeña, a pesar de que en dirección inversa la influencia ha sido muy importante y constante.

Sin duda, el funky house está en pleno proceso de transformación. Su buena salud y su efervescencia están evidenciadas por las discusiones internas acerca de qué direcciones estilísticas debe tomar esta música. El debate se centra en determinar si debería sonar más áspero y con MCs o más pulido y conformarse con ser una música instrumental, o con vocalistas más elegantes, más cercanos a los patrones vocales del house. Ni qué decir tiene que lo excitante del asunto es comprobar cómo ninguna de las dos líneas ha triunfado de momento, y de hecho todavía una no excluye a la otra en la mayoría de sesiones y mixes que se pueden escuchar por ahí.

En este contexto, el que gente como el jamaicano Aidonia aya puesto su voz a un tema de Crazy Cousinz, que es uno de los equipos de productores más reputados del género londinense, y la posibilidad que señala Gabriel en su entrada acerca del hecho de que sería un auténtico placer escuchar a Mavado, por ejemplo, cantando/rapeando sobre bases de funky house, muy posiblemente haría que la balanza se decantase, al menos en cuanto a visibilidad mediática, por las opciones más ásperas del funky house que, personalmente -y que conste que aquí ya hablamos de preferencias personales- es la que a mí más me gusta.

Paul Gilroy, que es uno de los que con mayor éxito han contribuido a explicar cómo se han transformado las relaciones postcoloniales entre las distintas poblaciones de origen africano en el Caribe, EEUU, África y Reino Unido, además de ser alguien que presta especial atención a cómo se manifiestan estas relaciones en formas culturales populares, ha dicho precisamente que lo que le atrae del funky house y de estos intercambios mencionados en párrafos anteriores es que evidencian que los jóvenes de origen afro-caribeño en Inglaterra están estableciendo sus propias reglas acerca de cómo dialogar con su pasado caribeño y africano.

En este sentido, me parece muy significativo el caso de uno de los vocalistas de funky house más conocidos, Donaeo, quien el otro año popularizó un título cantando sobre una producción de Crazy Cousinz que tenía el revelador nombre de ‘African Warrior’. Las referencias a África no son excesivamente frecuentes –por decir algo- en el hardcore continuum, pero esta canción supuso una declaración de intenciones acerca del hecho de que la población de origen africano en Londres también tiene un peso cultural en estos tipos de música.

Este año, Donaeo ha vuelto a darnos otra canción memorable con ‘Party Hard’. Gabriel habla también de este tema en su entrada porque es uno de los que parece que están calando entre los seguidores y practicantes del bashment. De hecho, el propio Gabriel ha hecho un estupendo mix de este tema en el que participan Mcs británicos y jamaicanos (Danny English, Capleton y Vybz Kartel) proporcionando otro ejemplo más de los intercambios entre bashment y funky house.

La base de esta canción es una producción del canadiense Suges, cuyo uso por parte de uno de los vocalistas más populares del funky house me parece muy interesante por el uso que hace de los sintes, que van dando a la canción pinceladas de frialdad metalizada, cuando se supone que el ambiente del funky house es más bien caldeado. Estos sintes terminan pasando a primer plano hacia el final de la canción, al tiempo que desaparece la voz de Donaeo. Rítmicamente el tema es casi introspectivo, casi huraño, en contraste con el contenido festivo de la letra. Si no rítmicamente, sí desde luego en cuanto a textura, este tema me recuerda a la seriedad del Detroit primigenio. Al igual que ocurría con el synthpop, provoca una sensación de angustia urbana, que en conjunción con los ritmos representa muy bien el contraste de manejar influencias culturales afrocaribeñas en el contexto urbano británico.

Por supuesto, habrá que esperar y ver qué pasa con todo esto, y también sería deseable que Paul Gilroy explicase con más detalle cómo están cambiando las relaciones postcoloniales y qué efectos tienen en la cultura de las nuevas generaciones de descendientes de inmigrantes afrocaribeños en Inglaterra. Esta es otra de las líneas abiertas en el 2009  que hacen que no perdamos el interés en la música popular durante este año.

Ballard en Periódico Diagonal

Posted in críticas publicadas by Iván Conte on mayo 18, 2009

En este link podréis leer un breve artículo que escribí para el Periódico Diagonal acerca de la influencia de Ballard en la música popular, con motivo de su muerte.

¿Para qué sirve la crítica musical?

Posted in revistas, Uncategorized by Iván Conte on mayo 14, 2009

Como aficionado a la crítica musical como género literario -¡sí, como género literario!- que he sido desde que era muy joven, me llama mucho la atención el momento de convulsión que está viviendo este genero. La crisis económica ha sido en parte responsable; en muchos de los grandes periódicos anglosajones, los críticos musicales han sido los primeros en caer, pero a nadie escapa que el principal causante ha sido los cambios en la manera en que nos llegan los discos. Se ha abierto un debate acerca del papel que debería cumplir la crítica en prensa, un papel que claramente no pasa por ofrecer una criba de qué se debe escuchar. Si la prensa escrita espera mantener un público en el futuro, se tiene qué plantear qué es lo que quieren encontrar sus lectores. La cuestión es mucho más compleja y afecta también a la función de los blogs y revistas online, que cada vez más ofrecen lo que hace décadas se podía encontrar en el NME o el Melody Maker, pero tampoco hay que olvidar que en la Wire todavía es posible leer muy buenos textos sobre música en papel, no es de extrañar que la revista se haya convertido en el refugio de varios veteranos de la prensa musical inglesa en los ochenta.  Os invito a todos a participar en el debate en los comentarios, aunque seguro que volveré sobre el tema en las próximas semanas. Mientras tanto, aquí corto-y-pego una serie de declaraciones que he leído estos últimos días acerca del tema:

Abel Suárez (DJ Coco) en Commonpeoplemusic:

Sí, pero ha cambiado todo. Incluso webs como Pitchfork no tienen ya casi sentido, sí como medios que ofrecen información pero no como medios que crean opinión. La crítica se hace en foros, porque tú el disco lo tienes meses antes. Yo, cuando sale la crítica del RDL, ya he oído el disco. Uno de los grandes problemas es que en los periódicos generalistas son gente mayor que se ha quedado muy lejos y que no pueden o no quieren llegar a la cantidad de información que se genera hoy en día. Ahora se les envía el disco, pero cuando les llega el disco está en internet hace meses. […] la revista especializada es demasiado lenta para la velocidad a la que va la música.

Nick James (director de la revista Sight & Sound) en el número de mayo de la edición española de Cahiers du Cinema:

Debemos adaptar la crítica cinematográfica a nuestro momento. Un indicador positivo de lo que podría pasar es el revival en la venta de vinilos justo tras el pinchazo de la primera burbuja ‘punto com’. De forma extraña, las ventas de vinilos en el Reino Unido se incrementaron en paralelo al éxito del iPod. Las inteligentes y satinadas revistas de cine podrían beneficiarse, en consecuencia, de una futura preferencia de culto por los objetos bien diseñados y bien escritos que denotan un estilo de vida alternativo en la joven cinefilia.

Simon Reynolds en su blog (ya puse esta cita en una entrada anterior, pero me gusta mucho)

if Music was just about “good music” I could spend the rest of my life listening to what I’ve already got and what’s already been made that I’ve not got around to hearing… what Music in the capital M sense needs to do is give us new concepts, new sensations, to create both new disagreements and new convergences/communalities…

Burial / Four Tet – ‘Moth / Wolf Club’

Posted in electrónica, hardcore continuum, Uncategorized by Iván Conte on mayo 12, 2009

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Es complicado no ver muchas de las cosas que han rodeado la edición de este 12″ compartido como una reacción del productor londinense a la sobreexposición mediática a la que se vio sometido tras la publicación de su segundo álbum, así como a la ‘persecución’ por parte de la prensa sensacionalista para descubrir su identidad. Después de varios meses de actividad publicando singles y dos LPs en el sello Hyperdub, estos son los dos primeros temas inéditos suyos que podemos escuchar desde hace año y medio.

Publicado sin avisar a nadie, casi todos nos enteramos de su edición apenas unos pocos días antes de que llegase a las tiendas este vinilo con la galleta negra, sin más información que la inscripción Burial + Four Tet, el nombre del sello que lo edita (propiedad del propio Four Tet) y el título de la canción correspondiente en los surcos finales del propio vinilo. El vinilo, tal cual, tiene uno de los diseños más atractivos de lo que llevamos de año, y es muy simbólico del nivel de especulación que ha rodeado la discusión de estas canciones desde que las escuchamos por primera vez debido a la deliberada falta de información. De hecho, hasta pasados unos días no se supo a ciencia cierta si cada uno había hecho una canción -y en ese caso cuál- o si los dos habían colaborado en los dos cortes, como así ha sido. Personalmente creo que el diseño y la manera en que el vinilo ha llegado a las tiendas tiene un poco de declaración de intenciones de un productor que quiere mantener su proyección pública en un segundo plano y algo de operación de marketing, aunque realmente pienso que en estos momentos Burial no necesita de ninguna campaña de marketing para agotar un single en pocas horas, como ha ocurrido en este caso. Además, también le ando dando vueltas a la cabeza al hecho de que el diseño probablemente sea un inteligente guiño a la música rave, a esos singles que llegaban de la nada casi sin información en una época pre-Internet en la que la información exhaustiva no acompañaba a cualquier lanzamiento de una manera tan instantánea. Más un black label que un white label en este sentido, este guiño a la época rave no es más que otro ejemplo de los muchos que conforman la estética sonora de Burial, que como sabemos toma muchos elementos de la música rave británica y los reconfigura bajo su propia, y a estas alturas perfectamente reconocible,  estética sonora.

Eso sí, no conviene dejar a un segundo plano a Four Tet, al fin y al fin y al cabo es de celebrar que el single nos permita escuchar a dos de los grandes talentos de la música electrónica de esta década trabajando juntos y sacando adelante dos canciones tan atractivas como estas. Generosas en minutaje, tanto ‘Moth’ como ‘Wolf Club’ se construyen a partir de bloques de construcción facilmente reconocibles -aunque dada la falta de información es mejor no arriesgarse a aventurar quién hizo qué- procedentes no solo del hardcore continuum sino también del minimalismo a lo Steve Reich. Las dos caras de este vinilo abundan en momentos para el recuerdo, como los apagados sintes rave de ‘Moth’ que suenan como procedentes de otra habitación,  provocando una sensación de extraña y eufórica melancolía en una canción con un ritmo de 4/4 que podría ser la prolongación de la que cerraba Untrue, el segundo disco de Burial, o el inicio minimalista de ‘Wolf Club”.

Habrá que esperar a sus respectivos nuevos proyectos para ver si el single va a tener efectos en sus respectivas carreras, pero de momento el encuentro sirve para comprobar que ambos comparten muchos puntos en común, como por ejemplo los efectos emocionales de sus principales señas de identidad y que ninguno de los dos ha perdido demasiada frescura a pesar de que posiblemente ya nos han dado la parte más importante de sus respectivas obras. Puede que incluso este sea solamente un single para fans de ambos productores , pero es innegable que el single permite unas cuantas escuchas a través de las cuales descubrir sus secretos y adentrarse en sus texturas. Que les dure la inspiración.

No incrusto las canciones para su escucha en esta entrado porque me imagino que ya las habréis escuchado todos.

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Posted in Uncategorized by Iván Conte on mayo 12, 2009

Como podéis ver en la parte superior de la columna de la derecha, he integrado el twitter en este blog. Servirá, espero, para hacer esto más dinámico y evitar los silencios ocasionales en los que el blog se ve forzado a caer por culpa de causas ajenas a mi voluntad. Por supuesto, estáis invitados a seguirme, comentar, etc.

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Lecturas recomendadas 2009 #4

Posted in hardcore continuum, Uncategorized by Iván Conte on mayo 8, 2009
  • Simon Reynolds, vuelve a hablar del hardcore continuum. Ya sabéis que la polémica del año entre los críticos ingleses es determinar los límites de esa teoría, o decidir si debería tenerlos, y hasta el momento las distintas participaciones no aburren, entre otras cosas porque demuestra que músicas como el jungle, el UK Garage, el grime o el dubstep siguen provocando ideas y discusiones que enriquecen nuestra percepción de estas músicas. Aquí podéis leer la contribución de Martin Clark. Finalmente, en el blog Lwr End Spsm se citan unas palabras escritas acerca del tema por nada menos que Paul Gilroy, uno de los más reputados críticos acerca de la experiencia negra en el Reino Unido, y una auténtica rara avis en el contexto académico al seguir de cerca las músicas creadas por la juventud negra británica. Incluso dedicó un capítulo de uno de sus libros al primer disco de The Streets.Por cierto, no os perdais los comentarios, son una joya si queréis saber algo más sobre el UK Funky.
  • Otra polémica reciente tiene que ver con la opinión negativa de Mark Fisher acerca de Sonic Youth, expresada primero en una crítica en el número 303 de la revista Wire, pero desarrollada con más detalle en esta entrada de su blog. Hombre, Fisher a veces es un poco estalinista, pero su idea es bastante sólida. Él argumenta que Sonic Youth con mejores gustos que discos, aquí un ejemplo:

It seems to me that Sonic Youth’s very long career has been based almost exclusively on their being “people of good taste” – curators, in other words, who can turn a notionally ignorant audience on to cool stuff. I think this is subtly but decisively different from being a portal: a portal is itself intensifying, there is a mutual process of libidinization between the portal and what it opens onto, whereas SY now derive practically all their credibility from gesturing to artists more marginal than them.

  • La respuesta de simon Reynolds es también muy interesante, e incluye otra idea con la que estoy totalmente de acuerdo, de lo cual me alegro porque hacía tiempo que no estaba de acuerdo con sus opiniones.

if Music was just about “good music” I could spend the rest of my life listening to what I’ve already got and what’s already been made that I’ve not got around to hearing… what Music in the capital M sense needs to do is give us new concepts, new sensations, to create both new disagreements and new convergences/communalities…

  • Entrevista a The Caretaker en Fact, repasando la trayectoria del autor de mi segundo disco favorito del año pasado. Atención al link (legal) de descarga de otro de sus trabajos. Me resulta absolutamente imposible resumir en un par de frases lo mucho que me gustan todos los proyectos de este hombre, así que mejor leed la entrevista, y espero que os comunique tantas ideas y emociones como en mi caso sobre cosas tan resbaladizas como los límites de la identidad humana y la percepción del tiempo. Y si no, pues supongo que lo intentaré poner por escrito cuando escuche su próximo disco, que tiene un título estupendo -Sadly, The Future Is No Longer What It Once Was- y será publicado con su nombre real, que es James Leyland Kirby.

Como siempre, si hay algún artículo que os apetezca recomendar, podéis usar los comentarios.

Raymond Williams en Ladinamo

Posted in críticas publicadas, revistas by Iván Conte on mayo 6, 2009

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Ya se puede leer online el número 29 de la revista Ladinamo. Incluye tres artículos sobre música muy recomendables; uno sobre la cumbia, una entrevista con Calle 13 y un reportaje sobre The Ex en Etiopía. Nunca me cansaré de decir que en Ladinamo se están publicando los mejores artículos sobre música escritos en España. En la sección de libros también podéis leer mi contribución a este número; un artículo que recopila una serie de declaraciones del crítico marxista Raymond Williams, así como un breve resumen de algunos de sus libros más celebrados.

Algunas fotos del LEV

Posted in festivales, Uncategorized by Iván Conte on mayo 4, 2009

Los días uno y dos de mayo tuvo lugar en Gijón la tercera edición del festival LEV (Laboratorio de Electrónica Visual), con un cartel especialmente atractivo para la noche del sábado, con las actuaciones seguidas de Fasenuova, Alva Noto y Aphex Twin junto a Florian Hecker. En el número de junio de la Rockdelux podréis leer mi crónica del festival, así que he optado por subir unas cuantas fotos que tomé con mi móvil. La calidad no es muy buena, pero es que una vez me compré una cámara de fotos que se quedó obsoleta en menos de un año, y desde entonces me las apaño con los dos megapíxeles de mi teléfono. En cualquier caso, para haceros una idea creo que sirve.

Quasi Stellar / Apostolia Papadamaki (performance con música en directo de Blaine Reininger, miembro de Tuxedomoon)

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Peter Greenaway. El cineasta galés presentó una VJ performance a partir del material filmado para su trilogía Las maletas de Tulse Luper. La primera foto es de la pantalla táctil con la que controlaba la proyección simultanea en tres pantallas

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-Peter Greenaway, arengando al público antes de su actuación, afirmando que el cine está muerto y que íbamos a presenciar el futuro del cine.

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– Peter Greenaway. Un ejemplo de lo que se veía en las pantallas. Nada realmente novedoso, pese a lo que él se creía.

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– El aspecto que tenía el teatro de la Laboral, donde tuvieron lugar la mayor parte de las actuaciones. Las butacas fueron retiradas y en su lugar pusieron un suelo especial para no dañar el teatro. También se pueden ver dos de los altavoces empleados puestos ahí por Florian Hecker para la actuación de Aphex Twin.

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AGF, en la iglesia de la Laboral. Un lugar realmente impresionante para hacer conciertos, dadas sus dimensiones y su aspecto davidlynchiano.

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Fasenuova, también en la iglesia, dieron el segundo mejor concierto del festival.

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Alva Noto. El sello raster-noton estuvo representado por Alva Noto y byetone, quienes cerraron el festival.

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Aphex Twin & Florian Hecker. Últimamente Aphex Twin ya casi no sale de su guarida, pero afortunadamente cuando lo hace es porque tiene algo interesante que quiere enseñarnos. En este caso, su repaso a toda su carrera se benefició de la colaboración con el artista sonoro Florian Hecker, quien dispuso unos altavoces especiales alrededor del público para que pudiésemos disfrutar de los efectos desorientadores y psicodélicos del estereo 6.1. Lo mejor del festival, con bastante diferencia. El público estaba eufórico, dificultando el movimiento por la sala, lo que me impidió acercarme a las primeras filas, como era mi intención. Ni la barba le pude ver al de Cornualles, me tuve que conformar con ver su sombra.

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