Redux

Fever Ray – Fever Ray

Posted in electrónica by Iván Conte on marzo 30, 2009

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Supongo que uno de los principales miedos que tenía acerca del primer disco en solitario de la mitad del dúo sueco The Knife tiene que ver con el hecho de que ya he escuchado demasiados discos en solitario que no son más que una reproducción descafeinada del sonido de la banda de la que proceden. Y lo cierto es que Fever Ray tiene algunos puntos de conexión claros con The Knife, sobre todo en lo que se refiere a la distorsión de las voces de Karin, lo que prolonga su espléndida estrategia de subversión de las expectativas acerca de la imagen pública de las mujeres –especialmente de las cantantes- en el pop; ya sea escondida detrás de máscaras en los directos, con su cara deformada en el video de ‘Silent Shout’ o con su voz irreconocible en The Knife y en Fever Ray.

Algo quue me llama mucho la atención es que dos de los discos que más comentarios favorables han provocado en lo que llevamos de año –este y el de Animal Collective– tengan letras que giran en torno al tema de la vida doméstica, algo tan poco habitual en la música. Los dos discos se benefician de inusuales tratamientos del tema, reforzados y matizados por el tipo de música que hacen; en Animal Collective, la euforia tecno-psicodélica representa la excitación provocada por la vida doméstica, pero también la angustia de tener que vivir lejos del hogar para girar y hacer discos como Merriweather Post Pavillion. En el caso del debut de Fever Ray, la propia Karin ha explicado cómo el disco está marcado por el insomnio severo que sufrió a partir del nacimiento de su segundo hijo. Fue durante esas horas de angustiosa duermevela cuando Karin fue modelando un disco en cuyas letras se entrecruzan la realidad y el mundo de los sueños, algo que se filtra a las letras, las cuales tienen un ocasional aire de cuento o canción infantil –muy evidente en el video del primer single-, pero también a la música, mediante las inquietantes texturas electrónicas que representan a la perfección el estado de semiinconsciencia y rendido cansancio provocado por el insomnio.

El disco de Fever Ray ofrece una visión de la vida doméstica muy diferente a la de Animal Collective, pues Karin presenta un contraste entre la seguridad del hogar y las presencias inquietantes que amenazan esa tranquilidad, a través del insomnio, de presencias amenazadoras en las letras y de una música que también representa esa inquietante duermevela. Decir que la visión de la vida doméstica de Animal Collective es masculina –vista desde fuera, desde el anhelo de volver al hogar a disfrutar de la vida familiar- y la visión de Fever Ray es femenina –construida desde dentro del hogar- podría ser una simplificación, pero lo cierto es que el disco de la sueca gana en profundidad y capas de significado cuando se escucha como lo que parece ser para su creadora; una declaración de los miedos, inseguridades y angustias a la hora de construir un hogar seguro para su hija, el mismo miedo ancestral del que se nutren los cuentos infantiles con los que este disco parece tener más de un punto en común. Un hogar que, por cierto, también se presenta como un entorno opresivo, y en este sentido ‘Concrete Walls’ es muy reveladora. Esta visión alucinada, nada dócil, del hogar en Fever Ray se sustenta también en los códigos del terror en los que se sustentan su música, sus textos, sus videos y sobre todo la portada diseñada por el sueco Martin ‘Mander’ Ander, que recuerda poderosamente el estilo de Charles Burns.

En definitiva, tanto Animal Collective como Fever Ray han conseguido dos discos muy atractivos en los que se recodifican músicas como la psicodelía, la electrónica, los drones y el ambient para hablar desde un punto de vista muy original del hogar. Musicalmente, se trata de un disco que presta atención al detalle, unos detalles que ganan en significado en las sucesivas escuchas. A las referencias que se están señalando en muchas críticas (Chris & Cosey y Björk, por ejemplo) yo añadiría las partes finales de My Life in the Bush of Ghosts de David Byrne / Brian Eno y del Remain in Light de los Talking Heads, así como la cara instrumental de The Bridge, el disco que Thomas Leer y Robert Rental editaron en Industrial Records y el ethno-techno ambient de grupos de principios de los noventa como Ultramarine. Lo mejor de todo es que parece seguro que cuando le de más escuchas todavía encontraré más cosas que decir sobre el disco. Fascinante en todos los sentidos.

Hudson Mohawke – Polyfolk Dance

Posted in electrónica, EPs, hip hop, wonky by Iván Conte on marzo 20, 2009

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Hudson Mohawke, 22 años, es uno de los miembros más destacados del colectivo escocés LuckyMe, en el que también está Rustie. Tanto Mohawke como Rustie han puesto patas arriba la electrónica británica de los últimos meses con su despreocupada y temeraria mezcla de referencias; de JDilla al hip hop mainstream, de Flying Lotus a Prefuse 73. Las conexiones animan a que se les incluya en el wonky a pesar de que nadie se ponga de acuerdo a la hora de definirlo, y aún así todos sabemos que cuando usamos el adjetivo wonky para catalogar a discos como este EP de Hudson Mohawke, estamos hablando de una serie de características que los productores anteriormente mencionados tienen en común, como pueden ser los ritmos descoyuntados o los sintes inestables, así como un interés por rellenar de sonidos coloristas la gama media del espectro sonoro, algo que delata su condición de productores de dormitorio con vistas a la pista de baile pero también a la escucha doméstica, algo no necesariamente malo si se hace con el arrojo aventurero y locuaz que caracteriza a estos productores. Tanto Rustie como Hudson Mohawke, los representantes más conocidos del colectivo LuckyMe, ya han tenido con sus anteriores singles un profundo impacto entre los aficionados a la electrónica  y hip hop británicos, pero es fácil predecir que en los próximos meses verán ampliado su público puesto que ambos han sido fichados por Warp, quien de este modo y tras la publicación el año pasado de un álbum y varios EPs de Flying Lotus, hace una decidida apuesta por el wonky como medio para darle una nueva vitalidad de la que por cierto andaba muy necesitado el sello de Sheffield. Eso sí, si sois de los que opinan que lo de wonky es una etiqueta sin sentido, podemos llamar a Hudson Mohawke y compañía productores de hip hop, y estaré totalmente de acuerdo, porque además eso les pone en la vanguardia del hip hop mundial.

Con todo el revuelo montado, en una primera escucha desprevenida Hudson Mohawke puede resultar un galimatías, pero lo bueno es que las sucesivas escuchas hacen que todo se vaya asentando y que, de hecho, se vayan revelando matices y detalles. Por ejemplo, la canción que abre el EP,  la energética ‘Polkadot Blues’, esconde bajo sus sonidos chillones lo que bien podría ser un ritmo de bajo y batería que podría servir para unos Jackson 5 del siglo XXI. Ninguno de los temas incluidos en este EP publicado por Warp llega a los tres minutos -a excepción de ‘Yonard’, que sobrepasa la marca por solo diez segundos-, la sensación es de que han embutido de una manera excitántemente atropellada numerosos encontronazos estilísticos -atención, en esta entrevista revela que el referente en este sentido ha sido la Mahavishnu Orchestra-. El interés por los detalles y un acento soul se cuelan por ‘Monde’, desvelando que uno de los fuertes de este productor es su mezcla de beats, experimentación y melodía, tal y como queda refrendado en el siguiente tema, ‘Overnight’, en el que se cruzan samples, beats, voces troceadas, guitarra y sonidos como de sirenas volviéndose locas. El propio Hudson Mohawke toca la batería, lo que refuerza la comparación con JDilla, y lo que suena en ‘Speed Stick’ como base para un sinte fluorescente y libre bien podría ser él mismo tocando la batería. En los magníficos -para muchos los mejores- temas finales del EP, ‘Velvet Peel’ y ‘Yonard’, la música de este productor se consolida como una de las más personales del momento, desde luego un nombre que con la publicación de su primer LP en Warp este mismo año debería traspasar fronteras y llegar a un público más amplio. Con Bristol capitaneando el sonido púrpura via Joker o Guido,  Edimburgo llevando al hip hop a nuevos territorios, y Londres centrado en el Funky House, la verdad es que la electrónica británica está en un buen momento.

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Entrevista a Animal Collective

Posted in entrevistas by Iván Conte on marzo 16, 2009

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Esta es la entrevista completa que le hice a Geologist para el número de febrero de la revista Go. Brian Weitz respondió a estas preguntas desde Escocia y por teléfono.

¿Cuánto tiempo dedicáis a trabajar vuestros discos en el estudio?

Normalmente estamos alrededor de un mes en el estudio, trabajando con las diferentes pistas. El tiempo depende de lo que queramos hacer con las canciones, si queremos que suene tal y como la tocamos en directo o si nos queremos dar más libertad a la hora de grabar la canción. Con este disco definitivamente queríamos que fuese un álbum de estudio, hicimos mucha pre-producción, a partir de lo que habíamos obtenido de tocar las canciones en directo. Fue un proceso muy divertido.

Una diferencia destacable entre vuestro Strawberry Jam y Merriweather Post Pavillion es el espacio sonoro que han cedido por las guitarras a los instrumentos electrónicos. ¿A qué se debió este cambio?

En Strawberry Jam la guitarra todavía era el principal instrumento compositivo, es un disco mucho más cercano a Feels, David es el principal compositor en estos dos discos, y se empezó a sentir un poco estancado y empezó a investigar en cosas como los loops y los smaples como punto de partida para desarrllar el proceso de escribir una canción.

En vuestros discos se nota que estáis intentando reproducir la idea de un espacio con el instrumental a vuestra disposición en el estudio de grabación, ¿Qué tipos de espacios habéis intentado recrear con este disco?

Queremos salirnos un poco de la idea de que tienes a tres tipos tocando instrumentos en una habitación como ocurre en la música rock. No hay nada malo en eso, hay discos de rock que nos encantan y cosas tan simples como el punk, pero eso no es lo que estamos intentando hacer. Definitivamente queremos que el oyente se imagine que está en una especie de entorno  cuando escuchan nuestra música. El tipo de espacio que queremos recrear va a depender de la canción y también cambia de disco en disco. Creo que para este disco teníamos un espacio subacuático en nuestra mente, pero no en el sentido oceánico sino algo más bien poco profundo, como una laguna o algo así.

Otra caracterísitca del nuevo disco es que cada vez usáis más sonidos experimentales en un contexto pop.

Es algo que hemos usado en muchos de nuestros discos. Aunque ahora sea un poco un cliché decir esto, siempre nos han interesado los sonidos más experimentales, como los que te puedes encontrar en la banda sonora de una película de terror o en la música concreta. El ruido usado en un contexto en el que tienen una resonancia emocional en una canción de pop es algo que siempre nos ha interesado.

¿Os gusta la música dub? ¿qué influencia ha tenido en vuestro último disco?

Sí, nos gusta mucho la música dub, de hecho ha sido una influencia muy grande en este disco. Por ejemplo, el estudio en el que lo grabamos tenía una reverberación añeja muy interesante, queremos que la reverberación sea la de la propia habitación, no tanto el conseguido por medios electrónicos. Por otra parte,  el delay en este disco está hecho con cintas, la manera en que lo manipulamos se parece bastante a las técnicas de la música dub. Y también nos ha influenciado en el tipo de sonidos graves que utilizamos.

¿Preferís grabar vuestra música de una manera analógica o digital?

Creo que si pudiésemos lo grabaríamos todo de una manera analógica como se hacía hace años porque nos gusta la calidez de los sonidos obtenidos de esa manera, pero desafortunadamente no podemos, bien porque no tenemos el dinero o bien porque no tenemos el tiempo. Fue algo que intentamos con Strawberry Jam, pero eso significaba que cuando algo salía mal teníamos que volver atrás y empezar de nuevo, mientras que un ordenador nos permite trabajar de una manera más rápida. Ahora mismo buscamos lo que sea más conveniente.

¿Cómo os habéis enfrentado al uso de samples en este disco? ¿Hay muchos samples? ¿De dónde los habéis sacado?

Nosotros mismos hacemos muchos de los samples. No hay muchos samples de otra gente, solo un poco aquí y allá. Nuestra música está hecha de una manera muy visual, hablamos de una canción como si fuese un paisaje visual o algo que estás contemplando, y luego pensamos que tipo de sonidos de música concreta podrían representar cosas diferentes en la imagen, y los encontramos en grabaciones de campo que hacemos, en nuestras casas, o adolescentes comprando algo, sonidos que nos parezcan chulos, los sampleamos y los transformamos hasta que obtenemos los sonidos que queremos.

A mucha gente le ha llamado la atención el carácter optimista de este disco, y en particular las letras sobre la felicidad doméstica, ¿Cuál es el origen de estas letras?

Sí, ahora hacemos música muy optimista, pero  más que de felicidad doméstica yo hablaría de un anhelo de esa felicidad doméstica. Todos nosotros tenemos hogares y familias con quienes nos gustaría estar, pero ser músico implica estar cinco o seis meses lejos de tu gente, en la carretera, lo cual es algo un poco angustioso para nosotros, porque es deprimente y ese tipo de cosas. Nuestra vida en estos momentos está sumida en este contraste; nos encanta tocar juntos para ganarnos la vida, pero está el lado negativo de tener que irte de casa. Por otra parte, cuando estamos en casa no grabamos música, de modo que no es tanto un disco sobre estar satisfecho en el hogar como sobre no estar seguro de saber cómo conjugar la vida familiar con nuestra vida como músicos.

¿Habláis mucho sobre la música que hacéis mientras la componéis? ¿Discutís acerca de qué queréis conseguir con una canción, por ejemplo?

Mientras la estamos creando, mientras estamos en una gira tocando el material nuevo, hablamos mucho sobre nuestra música. Cada uno tiene su opinión, y en cuanto a las letras son tan personales que los demás no entramos en las letras de los otros o en sí estas funcionan como sonidos o no, porque se trata de algo muy personal, pero en cuanto al resto de las cosas, cualquier persona puede opinar sobre lo que están haciendo los demás. Eso sí, no hablamos sobre las canciones demasiado una vez que están hechas.

¿Qué importancia tiene la música folk en vuestra música en estos momentos?

Bueno, la música folk nunca ha sido tan importante para nosotros como podía parecer, nunca hemos sido grandes fans de la música folk. Hubo un tiempo en el que Dave [Portner / Avey Tare] y yo usábamos guitarras, pero las canciones no estaban influidas o intentado reproducir estructuras folk o un ideal folk.

Vuestra visión de la naturaleza y de la libertad formal tiene ciertas similitudes con poetas norteamericanos como Walt Whitman, ¿os han comparado con ellos alguna vez?

Más que nada nos relacionan con los románticos y con gente como Wordsworth, pero sobre todo en el pasado. Cuando se hablaba de nosotros como una banda de freak folk se nos relacionaba más con la tradición pastoral británica pero la verdad es que nunca nos han mencionado a los poetas americanos como Walt Whitman.

La música electrónica tiene una presencia dominante en este disco, ¿cómo empezasteis a escuchar este tipo de música?

Siempre nos ha interesado la música electrónica incluso cuando hicimos los primeros discos, y supongo que en este disco lo que ha ocurrido es que hemos decidido no esconder esa influencia, mientras que en el pasado nos limitábamos a poner elementos en nuestra música inspirados por el techno y cosas de este tipo, pero encubiertas de alguna manera, pero para este disco hemos decidido pasarlas a un primer plano.

Personalmente, empecé a escuchar música electrónica a mediados de los noventa, con discos de The Orb o Aphex Twin. Luego David y yo nos metimos más en el minimal techno, alrededor del año 2000. Últimamente hemos escuchado muchos discos de dubstep como los de Burial, Kode9 o Zomby. La música electrónica habita un espacio diferente al nuestro, más urbano, pero aún así también es muy visual, y  me hace pensar en paisajes y diferentes atmósferas, mientras que buena parte de la música electrónica ofrece unos sonidos más directos que solo funcionan en el contexto de un club como espacio. El dubstep que yo he estado escuchando, especialmente Burial, es muy atmosférico.

Aspectos como la polirritmia o los loops cerrados remiten a músicas africanas, ¿Cuándo comenzó vuestro interés en la música africana?

Tenemos un montón de discos de música hecha en muchas partes del continente. Creo que fue algo que empezó a ser visible en nuestros discos con los patrones y la forma de tocar la guitarra en Sung Tongs, y los loops cerrados es algo muy importante para nuestra música.

¿Qué te parece la reciente oleada de grupos con influencias de músicas africanas?

Me parece genial, es algo realmente destacable. En parte tiene que ver con la gente que se descarga música y con los blogs, algo con en lo que no participo demasiado. Pero para los que todavía vamos a las tiendas de discos, este interés ha permitido que muchos discos se hayan reeditado en cd. Es algo similar a lo que ocurrió cuando todo el mundo hablaba sobre el freak folk y se reeditaron muchos discos de este tipo. Estos intereses coinciden con el momento en el que una serie de discos hasta el momento difíciles de conseguir se publican en cd, quizás esa sea una razón o simplemente porque ahora son fáciles de encontrar en Internet.

¿Qué os interesa de la música mainstream, y en particular del pop electrónico?

No nos interesa demasiado el techno pop de los ochenta, no es algo que utilicemos como una referencia, pero sí que nos gustan cosas de pop electrónico moderno como Kylie Minogue. Nosotros no hacemos ninguna distinción acerca de si una música es underground o mainstream, si nos gusta, nos gusta, y hay cosas como Sugababes o Amy Winehouse que nos gustan. Esta distinción nunca nos ha importado.

Ahora estáis embarcados en un nuevo proyecto, ¿puedes hablarnos un poco sobre el mismo?

Pues estamos metidos en un proyecto más audiovisual con un amigo nuestro, que es el director, ya habíamos discutido con anterioridad acerca de la posibilidad de sacar adelante un proyecto y no estábamos muy seguros de qué es lo que íbamos a hacer, él no quería que fuese algo narrativo con una banda sonora y nosotros no queríamos que fuese simplemente un vídeo largo. Finalmente vamos a hacer algo más visual y abstracto a pesar de que hay algo de argumento aquí y allá, está formado por pequeñas secuencias y va a ser un proyecto principalmente de estudio, en el sentido de que no lo vamos a tocar en directo a excepción de unas pocas proyecciones en las que tocaremos en directo. Toda la música ya ha sido escrita, y como la mitad ya ha sido grabada. Nos ha llevado algo de tiempo porque en un principio no sabíamos muy bien cómo hacerlo, y nos hemos tenido que enseñar a nosotros mismos cómo ponerle música a unas imágenes y hacer que se sincronice la música con las imágenes. Es muy sencillo una vez que empiezas a hacerlo, una vez que aprendes la tecnología o a manejar el software adecuado, pero nos ha llevado algo de tiempo porque no hemos tenido a un productor técnico supervisando lo que hacíamos.

Guido ‘Orchestral Lab / Way U Make Me Feel’

Posted in dubstep, hardcore continuum, singles by Iván Conte on marzo 13, 2009

Guido es un productor radicado en Bristol, la segunda ciudad en importancia en lo que a dubstep se refiere. En esta misma ciudad tiene su base de operaciones el sello Punch Drunk, gestionado por Peverelist, precisamente uno de los productores más reconocidos de la escena dubstep en Bristol, quien ha publicado el esperado primer single de Guido  ‘Orchestral Lab / Way U Make Me Feel’, si no me equivoco en la misma semana en que se publicó el single de Joker -también radicado en Bristol- en Hyperdub del que hablaba el otro día. Atención al sello Punch Drunk porque poco a poco está ganando mucha notoriedad. Entre otras cosas, la reputación del sello está creciendo muy rápido por debido al éxito de singles como este de Guido, que a las pocas semanas ya está agotado en muchas tiendas online -de hecho ando bastante estresado porque hoy mismo he recibido un email de rubadub notificándome que lo sienten mucho pero que el vinilo se les ha agotado, aunque parece que aquí todavía les queda en esta tienda, a ver si tengo suerte. La expectación y la buena recepción del disco se deben a que Guido participa en el desarrollo de ese sonido púrpura, con influencias funk, hip hop y r’n’b del que hablé el otro día en términos muy positivos a tenor del vinilo de Joker compartido con 2000F y J Kamata. Guido es uno de los máximos representantes de este sonido junto a Joker y Gemmy -de quien hablaré aquí en los próximos días- y su proyección está creciendo como la espuma gracias a las dos magníficas canciones incluidas en este 12″. En la cara A está ‘Orchestral Lab’, canción con un fuerte sabor grime -esas sirenas, esos sintes dramáticos- pero envueltas con el mismo tipo de ganchos melódicos irresistibles que ya escuchamos en el single de Joker y 2000F & JKamata. ‘Orchestral Lab’, además, una canción muy ajetreada, en la que líneas melódicas y sintes de neón se suceden uno detrás de otro, a cada cual más irresistible, sin permitir ni un momento de descanso al mismo tiempo que transmite una sensación de relajación. Hacia el final, el climax lo marca la llegada del piano, en una canción que también se inspira en el r’n’b comercial más inquieto, un elemento importantísimo en este sonido púrpura que está marcando el arranque del año 2009. Y lo mejor de todo es que la cara B es todavía mejor, caracterizada por una tensión creciente y un bullicioso climax, además de la presencia de un saxo muy bien empleado para recrear ese ambiente a lo Miami Vice que tan bien sabe evocar este tipo de música. Nocturno, extrovertido y emocional, ‘The Way U Make Me Feel’ muestra a Guido en plenitud de facultades, sobrado de personalidad… ¡y eso que este es solamente su primer single! Un clásico instantáneo, y un productor llamado a tener muchas cosas que decir en un futuro inmediato.

Si todavía no lo habéis escuchado, os recomiendo encarecidamente que escuchéis este minimix de Guido para la web Highirise, pues en media hora podréis escuchar un buen puñado de sus canciones, la mayoría de las cuales todavía están esperando ser editadas  y, para rematar, el ‘Digidesign’ de Joker. Aquí podéis consultar el tracklist, y en la misma web hay publicada una interesante entrevista a este nuevo productor.

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The Heatwave bashment mix 2008

Posted in bashment, Uncategorized by Iván Conte on marzo 12, 2009

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Ya he recomendado en ocasiones anteriores la web Heatwave, que es fantástica para seguirle la pista a la música jamaicana. Su famoso mix sobre MCs británicos para la desaparecida serie Bloggariddims fue más tarde publicada en forma de recopilatorio por Soul Jazz y apareció en muchas listas de lo mejor del pasado año -y entre ellas, en mi propia lista, en cuarta posición-. En su más reciente mix repasan nada menos que 79 tremendos temas de bashment (para el que no lo sepa, un término para referirse a la forma más contemporánea de dancehall jamaicano) del año pasado… ¡en 74 minutos! Por ahí están Elephant Man, Beenie Man, Vybz Kartel, Mavado, etc… es decir, un mix ideal para ponerse al día en lo que a música jamaicana se refiere y para comprobar que en el 2008 su nivel de renovación,  creatividad y su media de calidad continúa siendo insultantemente alta.

El mix os lo podéis descargar desde la web de Heatwave, aquí o directamente desde aquí.

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Kid Cudi ‘Day’N’Nite’

Posted in hip hop by Iván Conte on marzo 9, 2009

‘Dan’n’Nite’, el primer single de Kid Cudi, se editó por primera vez en el 2007, aunque no ha tenido videoclip hasta hace unas semanas, coincidiendo con el relanzamiento del single de cara a calentar motores a un LP de debut que debería estar en nuestras orejas en algún momento del verano. Muchos ya habréis escuchado a Kid Cudi sin saberlo, pues él ha sido uno de los que ayudaron a Kanye West en su 808s and Heartbreak; canta en ‘Welcome to Heartbreak’ y es el coautor de  ‘Heartless’ -uno de los mayores éxitos de la carrera de West, lleva meses en el top 10 de la lista de singles estadounidense-. De hecho, Kid Cudi se ha convertido en algo así como el protegido de West en los últimos tiempos. Y aunque Cudi se mantiene alejado del Autotune, tienen algunas cosas en común que justifican su papel en el último disco de Kanye West. Al igual que este en su último disco, Cudi propone un hip hop introspectivo, relativamente alejado de la pista de baile, buscando reflejar los sentimientos de soledad, frustración y alienación urbana, con un punto de vista entre derrotado y alucinado. Eso es lo que hace precisamente en ‘Dayn’n’Nite, una canción sorprendentemente efectiva dado lo escueto de sus componentes; un ritmo pausado, uno sintes que encajarían en un grupo de synth-pop tipo Junior Boys y el melódico y agradable flow de Kid Cudi. Cudi, al igual que West, plantea una vía de escape a las dos opciones a las que parece reducirse el hip hop actual; el hip hop festivo y el hip hop concienciado.  A continuación, podéis ver el videoclip de la canción y, después, el videoclip del remix que han hecho Crookers y que también ha tenido bastante repercusión. Procedente de Cleveland, pero radicado en la actualidad en Brooklyn, habrá que ver qué es lo que hace en su primer disco. Mientras tanto, y si este single os sabe a poco, por Internet circula una estimable mixtape llamada A Kid Named Cudi.

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Joker / 2000F & J Kamata ‘Digidesign’ / ‘You Don’t Know What Love Is’

Posted in Uncategorized by Iván Conte on marzo 5, 2009

Este single compartido por Joker y 2000F & J Kamata, y editado en Hyperdub, el sello del momento, refleja la orientación actual de Joker hacia los sonidos de sintetizador característicos del G-Funk,  ejemplificado por clásicos como The Chronic de Dr Dre, disco que he aprovechado para airear mientras escucho esta entrada y… no veáis lo bien que sigue entrando en el 2009.

Este 12″ incluye dos canciones,  la aportación de Joker tiene como principal atractivo un gancho melódico de esos que se clavan en la memoria desde la primera vez que los escuchas. ‘Digidesign’ transmite esa imagen de neones coloristas que caracteriza la música del productor británico en estos momentos. Los neones evocados por ‘Digidesign’ serían, desde luego, de color violeta, si hacemos caso a lo que ha dicho sobre cómo construye sus temas inspirándose en imágenes como la de un atardecer saturado de púrpuras. Además, la referencia a ese color también nos da muchas pistas sobre el sonido de esta canción, pues aparte de dirigir la atención al hip hop de la costa oeste la música de Joker en estos momentos tiene un indudable toque funk y más específicamente un toque Prince. En la revista Fact (ver link anterior) plantean la idea de que estas influencias pueden tener durante este año un impacto similar al que tuvieron J Dilla o Dabrye en muchos de los mejores singles del pasado año etiquetados como wonky. Habrá que ver si sucede así, a mí me encantaría y desde luego Joker no está solo, en Fact señalan a Gemmy o a Guido como compañeros de viaje -de este último hablaré en breve por aquí, por cierto- pero no está de más recordar como ejemplo que refuerza la teoría que el tema que cierra el EP de Zomby en Hyperdub cuenta entre sus componentes con un muy reconocible sample del ‘Diamonds and Pearls’ de Prince. A estas influencias habría que sumar a Cameo, cuya huella es todavía más evidente en la otra cara de este vinilo, la ocupada por la colaboración entre 2000F y JKamata, titulada ‘You Don’t Know What Love Is’, un maravilloso cruce de electrónica contemporánea, voces robotizadas y sintes lubricados que funciona a la perfección como compañera de vinilo de la canción de Joker.

Lo dicho, a ver qué pasa con este tipo de influencias, pero mientras esperamos lo que está claro es que este single es una carta de presentación de una nueva serie de influencias entre productores asociados con el dubstep.En el terreno del dubstep puede que la gran influencia haya sido el reggae, pero no debemos subestimar la importancia del hip hop, pues ambos géneros tienen una larga historia de cruces fructíferos en el Reino Unido. Así que mientras que productores como Digital Mystikz han puesto el acento en el componente jamaicano de la ecuación, Joker subraya el factor hip hop sobre todo mediante su uso de los sintes. Todas las nuevas ideas parten de ideas ya conocidas, y no es seguro que a partir de aquí salga todo un ‘género’ como en el caso del wonky, pero en cualquier caso parece claro que Joker ha encontrado una vía a explorar muy interesante y que se le da muy bien. Además, con las críticas al ensimismamiento del dubstep en los últimos años, la opción de Joker ofrece una posibilidad de recuperar la diversión más despreocupada mediante el factor funk púrpura de producciones como este ‘Digidesign’. Joker ha estado en mi lista de lo mejor del 2007 con su Kapsize EP y en la del año pasado con su single ‘Holly Brook Park’ (en la sexta posición, justo por detrás del ‘Township Funk’ de DJ Mujava), y todo apunta a que este año volverá a aparecer, y en una posición muy alta. Por cierto, que al final casi solo he hablado de Joker, pero no penséis que ‘You Don’t Know What Love Is’ es un mero acompañamiento, estoy realmente enganchado a las dos por igual, aunque la canción de Joker ganaría en el foto-finish. ¿Se nota mucho que este single es lo que más me ha gustado de lo que llevamos de año?

Belbury Youth Club Night

Posted in hauntology, sellos by Iván Conte on marzo 4, 2009

Me acaba de llegar un email que incluye este flyer de una actividad organizada por el sello Ghost Box, con la que sus responsables siguen jugando con la idea de ese pueblo que vive en una realidad paralela -Belbury- documentado en los discos publicados por el sello. Esta fiesta, en la que pincharán los fundadores y el blogger Woebot entre otros, se presenta como una supuesta reunión del club juvenil del pueblo ficticio en el que se situan las referencias de Ghost Box, e investigando en sus actividades podemos ver que Broadcast interpretarán una banda sonora improvisada para un corto de Julian House, fundador del sello y responsable del diseño de los discos de Broadcast entre otras bandas británicas. Otra de las actividades será la proyección de los añejos reportajes de interés público cuya estética tanto ha inspirado la del sello.

Pero en realidad, como no creo que nadie de los que lean esto pueda asistir a la fiesta, el motivo de esta entrada es que el flyer de la fiesta me parece una auténtica joya, pues representa a la perección los aspectos más representativos del sello británico.

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Mount Kimbie – EP

Posted in electrónica by Iván Conte on marzo 3, 2009

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El EP de debut de Mount Kimbie tiene a su favor una serie de elementos que están llevando a todo el que lo escucha a subrayarlo como una de las propuestas más interesantes de lo que llevamos de año. En primer lugar, han logrado abrir un hueco entre toda la serie de sonidos a los que se hace referencia en su música: el post-rock, el ambient, el 2step, etc. La personalidad de su propuesta está conectada con el hecho de que aparte del caracter exploratorio del encontronazo de géneros que representan estos productores londinenses, su música está fuertemente anclada en el formato de canción y en la búsqueda de la melodía con el impacto emocional adecuado. Aquí intervienen diversos factores, como un uso de las voces post-2step/R&B, bien filtraditas y troceadas o las texturas ambient obtenidas a partir de guitarras y el sonido del crepitar de la aguja sobre el vinilo, en ambos casos señas de identidad de buena parte de los productores de música electrónica más interesantes de la década, con Burial a la cabeza, claro. En general el tono de su música es calmado, a pesar de la rítmica bulliciosa de ‘William’, y la atención a las texturas parece indicar que estamos ante una música con la que limpiar la cabeza al final de una noche, y en efecto aquí encontramos cuatro canciones que funcionan perfectamente al final de un set. Publicado en el sello de Scuba, este EP ha despertado alguna que otra duda razonable acerca de su adscripción al dubstep, y de hecho sería más adecuado compararlo con la estrategia de trazar y perseguir líneas de fuga a partir del dubstep seguida por los productores asociados con la etiqueta wonky (pero no con la estética asociada con estos productores). Así que se trata de un EP muy original, a cargo de unos productores definitivamente a seguir muy de cerca durante este año, pues estos temas plantean dudas excitantes acerca de por dónde tirarán en el futuro inmediato, aunque lo que parece seguro es que lo que sea que hagan a partir de ahora va a ser seguido con mucha atención por mucha gente interesada en saber por dónde va a tirar la música electrónica británica.