La increíble verdad Redux

Enel 2008 Zomby, junto a otros productores como Darkstar, Ikonika, Starkey, Rustie e incluso FLying Lotus, lideró algo que se puede entender –equivocadamente- como una evolución del dubstep, quizás porque el sello Hyperdub capitalizó buena parte de los mejores singles de este recién nacido género, bautizado como wonky (o aquacrunk, a partir de una broma de Rustie en una entrevista que al final caló) y definido por Martin Clark como un cruce entre hip hop, hyphy, grime, chip tunes, dubstep, crunk y electro, y caracterizado por sonidos burbujeantes y sintetizadores de colores chillones -entre otras muchas cosas-, con los que se pasa de la primacía de los graves en el dubstep a un interés por rellenar de movimiento la zona de los medios. A lo largo del año solo me he interesado puntualmente por algunas cosas, pero ahora, al volver la vista atrás, veo los singles y discos de productores como los que menciono al principio de este párrafo como una de las piezas fundamentales del año.

Zomby, como Burial, esconde su verdadera identidad bajo el anonimato, ha editado en Hyperdub y ha hecho un disco a partir de su fascinación por los sonidos característicos del jungle. Ahora ha editado en el sello Werk –el mismo que editó el estupendo disco de Disrupt del año pasado, muy recomendable si se os pasó en su momento- el disco Where were U in 92?, que evidencia desde su título sus intenciones de divertirse armando un disco que se ha interpretado como una broma muy seria o un sentido homenaje que no se toma en serio a sí mismo. Por eso, si a alguien se le ocurre acusar a este disco de estar hecho desde la nostalgia más conservadora, algo que iría en contra del hardcore continuum cuya naturaleza implica su constante reinvención, es conveniente advertir que el disco está puntuado por guiños imprevistos que impiden que el disco termine siendo una fiel reproducción de un sonido del pasado.

El disco arranca con  “Fuck Mixing, Let’s Dance” (¡genial título!), que es jungle al pie de la letra (breakbeats, voces apitufadas, graves…). En “Euphoria” el bajo está en primerísimo plano junto a las sirenas, y sumergido en él, ocasionales restos de una melódica que intuyo sampleada de Augustus Pablo. Las sorpresas vienen a través de elementos que provocan un cortocircuito en la representación del sonido del jungle, como por ejemplo el explícito guiño a Daft Punk en “Daft Punk Rave”, provocando una ruptura en la represntación fiel de unos referentes sonoros asociados a unos años en concreto, los que van más o menos del 92 al  94. En otras ocasiones, los guiños se hacen de manera indirecta, y eso es lo que ocurre en “Tears in the Rain” que samplea diálogos y la banda sonora de Blade Runner tal y como ya hiciera DIllinja en la memorable “The Angels Fell”, incluída en el recopilatorio Metalheadz: Platinum Breakz, editado por el sello de Goldie. Uno de los sonidos más efectivos del disco es el de los sintetizadores, en “Get Sorted” o en la contundente –y simplemente perfecta, una de las mejores canciones del 2008- “Float”, un temazo instantáneamente adictivo, cuyo efecto se multiplica al estar precedida en el disco por “GTI”, que va preparando el terreno sintético para que explote con el impacto emocional necesario. El subidón continúa con las voces troceadas y superpuestas en capas, con un efecto desorientador, en “Need Ur Lovin’”, una canción que termina de manera brusca, seguida de otra de las sorpresas del disco, la muy wonky -en su sucio y desprejuiciado cruce de rave, hip hop, grime, etc.- “Pillz”. Los estridentes sintes que Joey Beltram introdujo en el hardcore continuum con sus históricos “Energy Flash” y, sobre todo,  “Mentasm” se dan cita –o son citados- en “Hench”.

Tengo mis dudas sobre si otorgarle a este disco la etiqueta de postmoderno, por una parte la ironía y las citas constantes son estrategias en común al postmodernismo y a este disco, pero las intenciones parecen ser en este caso demasiado sinceras –homenajear a un sonido que subyace en lo que se hace hoy en día en los terrenos del dubstep, el wonky, el bassline, etc.- como para meterlo en el saco del habitualmente descreído postmodernismo. Si es que, de hecho, el disco funciona como un cursillo acelerado para adentrarse en el jungle. En cualquier caso, un disco que termina con la emocionante “U Are My Fantasy”, que te deja con ganas de más, y que hace que al volver a escuchar la producción previa de Zomby te fijes en otras cosas, no puede ser otra cosa que un triunfo. Ahora, a contar las horas hasta conseguir su nuevo EP (doble 12”, por cierto), en Hyperdub. Zomby, uno de los nombres esenciales del 2008.

La ausencia de actualizaciones en los días pasados se debe a que he cambiado de trabajo, tengo un horario laboral totalmente distinto al que tenía la pasada semana y toda mi rutina está patas arriba en estos momentos. Todavía estoy en metido en el proceso de acomodar las distintas aficiones que no tengo intención de abandonar (nadar, el blog, etc.) a mi nueva rutina. Eso sí, la consecuencia más lamentable es que apenas he tenido tiempo para ver una película en el festival de cine de Gijón (dos, si contamos el documental de Patti Smith, que había visto con anterioridad al inicio del festival), y eso que había un buen puñado de películas que tenía muchas ganas de ver. Todo esto se traduce también en que tan apenas he tenido tiempo para leer cosas por Internet, así que en esta ocasión me fijo solamente en un par de listas de lo mejor del año.

Las listas de lo mejor del año de las distintas publicaciones han empezado a publicarse. De momento, parece que el disco de Fleet Foxes va en cabeza. Pero las listas que más me interesan de las publicadas hasta ahora son, por una parte, esta que resume el mejor reggae publicado este año, en la que el excelente texto va desgranando las claves más importantes para entender los puntos calientes de la música jamaicana este año, haciendo referencia también al impacto causado por Lightning Bolt cuando este celebró una de sus victorias en las Olimpiadas reproduciendo el baile creado por Elephant Man para sus mega-éxitos “Gully Creepa” y “Nuh Linga”, dos de las mejores canciones del año en cualquier género, en mi opinión.

La segunda lista es esta de Fact que resume las mejores mixtapes del año. Atención porque aquí aparecen algunos de los momentos musicales indispensables del 2008, y que escaparán a muchas listas simplemente porque no se corresponden con el formato de LP. Hablo, por ejemplo, del mix de Marcus Nasty que ayudó a aumentar el impacto y el público del Funky House, o el showcase de Hyperdub en el programa de Mary Anne Hobbs, que retrató un año en el que el sello de Kode9 dominó con comodidad el dubstep.

Patti Smith: Dream of Life es uno de los documentales que se podrán ver en la inminente edición del festival de cine de Gijón. El texto que aparecerá en el periódico lo he escrito yo, y es el que sigue:

Once años filmando a Patti Smith está claro que no podían materializarse en un documental al uso. De hecho, Dream of Life funciona precisamente por su renuncia a seguir la manida fórmula de los rockumentales que alternan actuaciones en directo con bustos parlantes que relatan las correrías más o menos divertidas y / o sórdidas del músico en cuestión. Este documental alterna escenas en blanco y negro y color y fragmenta la unidad temporal del relato, vertebrado en parte a través de la voz en off de la propia cantante. Las imágenes van saltando continuamente de un tiempo a otro sin previo aviso, como si el director intentase poner en imágenes y sonido un monólogo de Patti Smith en el que la estadounidense fuese pasando de un tema a otro sin seguir un hilo cronológico o argumental. De este modo, poco a poco, Smith menciona a cantantes, pintores y, sobre todo, escritores, muchos escritores; de William Burroughs a TS Eliot pasando por Edgar Allan Poe, Sam Shepard, William Blake y unos cuantos más. No es de extrañar, entonces, que el lado literario de Patti Smith sea el que está más presente en este documental.

Patti Smith es la voz principal de la película, a pesar de que su discurso no esté estructurado a la manera clásica. Algo que es comprensible porque lo que el director parece querer decirnos es que es imposible dar una visión completa de una persona en un documental aunque dediques una década a seguir a esa persona con la cámara. La acumulación de recuerdos verbales, visuales y sonoros, sin embargo, se hace claramente desde el punto de vista de una Patti Smith madura que ha superado la muerte de algunas de las personas más importantes en su vida; una Patti Smith que se siente más segura de sí misma, más relajada y reafirmada en sus convicciones, ligeramente melancólica pero exultante en su celebración de la vida y su temor a la muerte, quizás los dos grandes temas de su obra a juzgar por lo expuesto en este documental. Por lo demás, no hay ni rastro de opiniones de otras personas a pesar de que a lo largo del documental aparecen Michael Stipe, Tom Verlaine y Sam Shepard entre muchos otros. El director, Steven Sebring, tiene la generosidad de distanciarse de lo que está contando para darle al espectador la oportunidad de sacar sus propias conclusiones a partir de la enorme cantidad de material audiovisual acumulado en estas casi dos horas.

He aquí un buen ejemplo de mixtape; un buen puñado de canciones, algunas más acertadas que otras, que demuestran que este formato es ideal como banco de pruebas. Pero no solo es un lugar en el que ensayar antes de hacer el disco, porque sin ir más lejos en esta mixtape hay cosas que, por cuestiones de derechos de autor, probablemente sería muy difícil incluir en un lanzamiento oficial. Y es que Esau Mwamwaya, cantante de Malawi al que los productores Radioclit están ofreciendo todo su apoyo logístico para que su público se multiplique en occidente, canta aquí sobre algunas bases formadas por samples nada disimulados de grandes éxitos de MIA o Vampire Weekend, por poner dos de los ejemplos que más repercusión han tenido.

El mérito de la mixtape reside principalmente en la voz de Mwamwaya; limpia, emocionalmente impactante sin importar en qué lengua cante -y en esta mixtape lo hace en varias. Su voz y sus letras se acoplan a la perfección sobre las bases, a pesar de que la melodía vocal nada tiene que ver con la original. Hasta tal punto están tan bien integrados estos dos elementos que a veces hasta da la sensación de que estas canciones estaban destinadas desde un principio para su voz. Especialmente interesante es el uso de “Cape Cod Kwassa Kwassa” de los Vampire Weekend, porque con la voz de Mwamwaya las guitarras de la canción de los estadounidenses resultan todavía más efectivas en su evocación del pop africano. Por otra parte, la elección de esta canción hace que el diálogo cultural entre occidente y África llevado a cabo por Vampire Weekend tenga lugar de nuevo, pero en la dirección opuesta y ha conseguido que la mixtape tenga una repercusión en aumento entre el público indie. Lo mismo ocurre con “Heart It Races” de Architecture in Helsinki, que sirve para que la mixtape de comienzo funcionando a pleno rendimiento. Otro de los claros aciertos es la incursión en el kwaito en la segunda canción del mixtape, en la que Mwamwaya canta sobre el temazo “Wena Ng’hamba Nawe” de DJ Cleo, a pesar de que sea posiblemente el tema más fiel al original, sirve para recordar la importancia de la música electrónica en la África actual.

Como en casi todas las mixtapes, no solo hay relleno sino que hay cosas francamente decepcionantes, pero pesa más el hecho de que probablemente en su primer LP (para el 2009), probablemente no va a sonar tan fresco, ni tan suelto, ni nos vaya a sorprender con sus reescrituras de grandes éxitos “indie” de las últimos tiempos. Aunque, eso sí, este cantante se merece toda la fama que pueda conseguir.

Esau Mwamwaya fue portada del número 52 de la revista Fader. El artículo, que se puede leer aquí, está realmente bien. La foto que aparece en esta entrada la he sacado de ese artículo, por cierto. El número en cuestión estaba dedicado a África, de modo que fue una de las primeras revistas musicales en dar un espacio destacable en uno de sus números a la música africana. Desgraciadamente, el número está agotado y el link para descargarse el correspondiente pdf a mí no me funciona. Si a alguien le funciona, que me lo pase, por favor. La mixtape se puede descargar desde este link. Por último, en este link al blog Ghetto Bassquake encontraréis un listado de la procedencia de todas las bases… de Architecture in Helsinki a Michael Jackson pasando por Cannibal Ox.

Saint Dymphna es un disco lleno de ritmos de todo tipo; hay desde un ocasional bombo 4×4 hasta ritmos tribales de diverso origen, en un inrincado entramado rítmico que, aunque resulte muy propio del 2008, conviene recordar que este interés por los ritmos étnicos tanto en el caso de Gang Gang Dance como en el caso de otros grupos de Brooklyn como Animal Collective en realidad viene de lejos y se puede rastrear en sus discografías. O más bien el interés por el primitivismo, pues ese es uno de los rasgos que tienen en común los grupos anteriormente mencionados con, por ejemplo, Ariel Pink. Esto también tiene que ver con el hecho de que el apego a la tierra fuese un valor en alza a lo largo de la década en EEUU, con todo el folk psicodélico como prueba de ello. De algún modo era como si estos grupos quisiesen eliminar el nacionalismo oficializado desde las instituciones en EEUU durante la era Bush Jr., para de este modo volver a los valores que dieron forma al ideal norteamericano tal y como fue imaginado por Walt Whitman, e incluso a los valores de los habitantes nativos estadounidenses, como demostraría su interés por las músicas con caracter ritual o que inducen al trance.

De este modo, Gang Gang Dance representan en su último disco una nueva versión de sincretismo cultural, sumergiendo su música en una vorágine de referencias que no puede ocultar -y esa es su principal virtud- su origen neoyorquino en la presente década. Es evidente también en este sentido que algunos tramos del disco recuerden al sónido DFA, e incluso su aproximación al grime en “Princes” sigue siendo inconfundiblemente personal, y ya hay muchos críticos que han señalado a este disco como influído por los métodos de producción de Timbaland.  Este sincretismo tiene también mucho que ver con la estructura de los temas, que son collages sonoros en los que la libre escritura de canciones y la libertad estructural de las mismas se consigue mediante loops, fragmentos de sonido troceados, manipulados y reubicados y una prevalencia de la percusión, combinando ritmos orgánicos y digitales. En muchos sentidos se trata de un disco que resume algunas de las músicas más excitantes de esta década, y es un mérito por su parte que logren que todo esté cohesionado. Qué más da que una canción empieze de una manera y se vaya por las ramas antes de concluir, si una vez escuchado da la sensación de que todo está en el sitio que le corresponde.

Y, encima, algunos de los temas son, de hecho, grandes canciones. Mis favoritas son “First Communion”, sobre todo escuchada tras el primer tema del disco. Se trata de una canción que empieza transmitiendo un sentimiento de euforia y consigue ir a más hasta hacer que la energía explote. En ocasiones me recuerda al punk-pop tropical de Abe Vigoda y Coconot, pero el amontonamiento de elementos impide comparaciones facilonas; aquí hay sintes desbocados, voces chillonas sumergidas en eco, una batería que en ocasiones parece reproducir el ritmo del dancehall / reggaetón y un climax final que recuerda a la estética sonora de DFA, para dar paso a la siguiente canción con un bombo solitario que sirve de separación entre este inicio y el resto del disco.

La otra gran canción del disco es “Princes”, en la que colabora el MC de grime Tinchy Strider, contribuyendo a que el tema se convierta en una reinterpretación muy interesante del grime y con una buena dosis de bajas frecuencias. A lo largo del disco hay muchas más referencias, que no conviene destripar cuando probablemente muchos de vosotros todavía no habéis escuchado el disco. Al final, “Dust” cierra uno de los discos del año recordando poderosamente a los Brian Eno y David Byrne de My Life in the Bush of Ghosts, con una placidez rítmica y de guitarras preciosistas perfectas para descansar tras un disco tan tumultuoso.

Empiezo una nueva sección que me servirá tanto para recomendaros los artículos que más me gustan de los que voy leyendo por Internet como para que yo sepa dónde encontrarlos cuando los quiera revisar.

Andy Moor, de la banda holandesa The Ex, habla con detalle sobre una serie de cuestiones que han pasado al primer plano de la crítica musical durante este año debido al imparable ascenso en popularidad de la música africana. Hay cosas buenísimas en este texto, como las diferentes opiniones que tienen sobre el Auto tune Jace Clayton y el propio Moor, la importancia de evitar la autenticidad cultural y de potenciar las colaboraciones y los diálogos musicales de doble sentido así como la exposición de una serie de estrategias para que las colaboraciones con músicos africanos sean más honestas. A este artículo llegué a través del blog Wayne&Wax, cuyo autor es precisamente el responsable del siguiente artículo.

Wayne habla sobre “Miss Independent”, la canción de Ne-Yo con una letra en la que las mujeres aparecen de una manera bastante diferente a lo que suele ocurrir en el hip hop (aunque esta canción entre de lleno en el terreno del R&B, en realidad, donde supongo que será más fácil un movimiento de este tipo, pues el público objetivo es principalmente -pero solo en principio- femenino), comentando los detalles instrumentales (el ritmo con resonancias del dancehall, los sintetizadores, el arpa, etc.), pero lo mejor viene en los comentarios, en donde señalan muy acertadamente el parecido de los sintetizadores de esta canción con los que suenan en el “Flashing Lights” de Kanye West, y en donde interviene Jace Clayton, quien últimamente se está convirtiendo en una referencia imprescindible para cualquiera que quiera entender la música que se hace ahora mismo. Esta canción me parece estupenda, funciona a la perfección como tema pop mainstream representativo del 2008, ninguno de sus elementos me parece ramplón o cuestionable en lo más mínimo y, en fin, está todo puesto con tanta precisión y elegancia -sin caer en la aburrida qualité- que no me extrañaría que se colase entre mis canciones favoritas del año. Aquí os dejo el vídeo, que el que aparece en la entrada de Wayne solamente es visible en EEUU. Cosas de la MTV.

Echo mucho de menos el blog de Woebot, pues era genial, y a veces llegaba a hablar de las cosas que le interesaban con un nivel de detalle de quitarse el sombrero, que es justamente lo que ocurre con este texto suyo que ha aparecido en la web de Fact, sobre las casetes, y especialmente sobre los walkmans y reproductores de casetes con un nivel de detalle técnico realmente asombroso. Por si os interesa una historia de este medio de producción, con sus momentos más destacados (y cotizados en la actualidad).

Martin Clark publica en Pitchfork su lista de favoritos del año en los siguientes géneros; dubstep, grime, funky house y wonky. Muy bien en los apartados de grime y funky house, en este último su número uno es el “Do You Mind” de Paleface ft. Kyla, remezclado por Crazy Cousinz, del que ya hablé por aquí en la entrada que escribí sobre este tipo de música. La lista de grime está relamente bien, aunque noto la ausencia del mixtape Riko, hay muchas cosas que a mí también me han entusiasmado, y otras que todavía no he escuchado pero que procuraré hacerlo antes de terminar las listas del año. La lista del dubstep no me ha solventado mis dudas sobre este tipo de música que he tenido a lo largo del año, y en cuanto al wonky he de decir que lo poco que he escuchado me ha gustado mucho -y aquí ya he hablado de alguno de los temas en esa lista, por ejemplo de la remezcla que Flying Lotus hizo de un tema de Lil Wayne- pero, eso, que he escuchado todavía demasiado poco.

La próxima semana, más recomendaciones. Si encontrais algún artículo que creéis que me puede interesar, los comentarios a estas entradas son el mejor lugar para hacérmelas llegar.

Dizzee Rascal apareció hace unos días en las noticias de la BBC para comentar sus impresiones acerca de la elección de Barack Obama como presidente de los EEUU. Apare del incómodo y lamentable tono paternalista del presentador (la palma se la lleva la pregunta “¿estás orgulloso de ser británico?” sin venir a cuento de nada) Dizzee le clavó una respuesta memorable, sin duda lo más sensato que habremos escuchado este año en un programa televisivo del prime time:

Pregunta: ¿Crees en los partidos políticos?

Respuesta: Sí, existen.

Un Autotune, una percusión esquelética, un bajo que cuando entra de repente te tumba de espaldas y unos sintes androides y muy John Carpenter hacen de “Pop Champagne” una de las mejores canciones del año.

Este es el décimo, y último, lanzamiento en vinilo publicado por el sello Skull Disco, que definitivamente echa el cierre. Bueno, ya veremos si definitivamente porque lo mismo dijeron hace un tiempo y volvieron a la carga, aunque tengo la sensación de que esta vez va en serio, quizás porque con este single Shackleton ha llegado a algunos calejones sin salida. El single es brillante, fácilmente uno de los que más me gustan del catálogo del sello, pero para los que hayan seguido su trayectoria resultará ciertamente reiterativo, o quizás es simplemente que los elementos que constituyen el sonido Shackleton ya están muy claros, y las variaciones son mínimas. Afortunadamente, esta “nota de suicidio” está a la altura de lo mejor de Shackleton, y está lejos de ser aburrida.

Al igual que ocurre con el mejor dubstep, estos temas ganan cuanto más alto los escuchas, así que lo mejor es poner el volumen al 11 (je) o, si no, escucharlos a través de unos cascos, pues solo así se puede percibir con claridad cómo las bajas frecuencias inundan tu cuerpo, cómo el ritmo te hipnotiza, y cómo los sintes y demás efectos sonoros van creando una atmósfera táctil.

Es una metáfora que ya ha sido usada en multitud de ocasiones, pero “The Rope Tightens” funciona a la perfección como escultura sonora, nueve minutos que crean un ambiente inquietante, pero no inhóspito, angustioso pero extrañamente sexy, calmado y trepidante al mismo tiempo, y la conexión humana del rapeado de Tenfold Vengeance añade una conexión humana con una cadencia reflexiva, entre la vigilia y el sueño, similar a la de Spaceape. Es, también, una canción en la que el espacio -entre los ritmos, entre los distintos elementos de la canción, entre pulsación y pulsación de bajo- contribuye a convertirla en una experiencia sensorial fascinante. La parte final cae bajo un influjo oriental -se pueden rastrear referencias africanas y orientales en buena parte de la producción de Shackleton- que redondea el tema a la perfección. Y lo mejor de todo es que, a pesar de los ingredientes, del tono y de la duración del tema, no hay ni asomo de exceso de solemnidad.

La casi totalmente instrumental “But the Branch is Weak” comienza con un ataque de subgraves de agarrate y no te menees, un asalto que vertebra toda la canción, que se mueve por un territorio similar a la anterior, aunque con un tono más ceñudo y más intrincada en cuanto a percusión, a pesar de que a primera vista no lo parezca. “In the Void” (el título es buenísimo) refuerza las texturas ambient en su primer tramo, hasta la irrupción de otra línea de bajo de esas que se sienten o perciben  más que se escuchan. Y, para terminar, “Shortwave” es un tema más agitado, más nervioso, con una espina dorsal rítmica como de tren a todo gas propulsado al vacío.

En general, todo recuerda bastante a dos discos con el título de Closer; el de Joy Division y el de Richie Hawtin, pero el ambiente de ciencia ficción post-apocalíptico le pone más en la línea del zetigeist distópico en el que está occidente en estos momentos. Por supuesto, estamos también en un terreno muy cercano, en cuanto a los sonidos utilizados, al del metal más vanguardista, y de hecho esta es una comparación muy habitual a la hora de hablar del productor inglés. No hay más que ver las portadas de sus singles para darse cuenta de ello.

A ver qué hace a partir de ahora, una vez que ha conseguido sacar oro de sus coordenadas estéticas.

¿Se puede hablar de otra cosa hoy? Como dice un amigo mío, en principio es una buena noticia. Al menos ciertos ideales han vuelto al mainstream político. Ya habrá tiempo de criticarle si no da el cambio que todo el mundo espera de él, pero aunque solo sea porque uno de mis  bloggers de referencia y una de las mejores revistas musicales del momento han apoyado a Obama de manera muy activa, y, ¡qué diablos! aunque solo sea porque hasta a Hugo Chávez le agrada que Obama sea presidente de los EEUU… hoy no puedo evitar unirme a esta especie de euforia que recorre el planeta para celebrar el final de una era nefasta -¡esperemos!- y el inicio de otra en la que las cosas deberían ser al menos un poquito mejores. Va a ser muy dificil, pero me niego a renunciar a la esperanza. Ya no.

¿Qué efectos tendrá esto en la música? La música negra estadounidense en particular siempre ha sido muy permeable al momento histórico en el que se desarrolla. Me muero de ganas por ver qué va a ocurrir.